EFECTOS VISUALES.

El efecto visual, proviene del efecto óptico. Las ilusiones ópticas generadoras de animaciones preceden al cine, por ejemplo, Emile Reynaud perfeccionó el zootropo , aparato giratorio con el que se crea una ilusión óptica de movimiento, al dejar ver a través de las rendijas de su cilindro exterior, las imágenes del cilindro concéntrico interior. Este periodo previo al cinematógrafo se conoce como cine antes del cine,donde ya existían inventos como el cronofotógrafo de Pierre Jansen, una especie de fusil fotográfico que permitía obtener doce imágenes en una placa que giraba a una revolución por segundo. Todos estos inventos sentaron las bases del cine, uno de los grandes inventos decimonónicos.



EL CINE COMO EFECTO VISUAL

El cine es un efecto visual en sí mismo. De cualquier forma, queda meridianamente claro que existe un efecto visual cuya consecuencia es el reflejo de un movimiento real para quien ve. Este es un ejemplo clarificador de cómo el avance de la técnica ha ido dejando atrás determinados efectos visuales en el cine, como el cine en sí mismo, asimilados hoy fuera de esta significación práctica del efecto visual. Determinadas acciones en la creación de una película han dejado de tratarse como «trucos» o «efectos» para formar parte directa de la parte más básica de composición de un relato cinematográfico. 

Elementos tales como transiciones, fundidos, superposiciones, etc. han evolucionado desde principios de siglo, considerándose hoy tan arraigados y conocidos, que siendo un efecto visual ya no se los considera como tal, sino que se asumen como una tarea de narrativa de montaje y ensamble del relato. Este arte relativamente joven ha vivido la revolución tecnológica del último siglo de una forma directa. 

EL TRUCAJE VISUAL Y EL TRUCAJE DIGITAL

Pese a que en este periodo, los efectos especiales y visuales respondían a una idea de experimentación primigenia, se empezó a forjar un lenguaje narrativo propio de una nueva realidad artística emergente, que se valía del «trucaje» como una herramienta capaz de crear un mundo imaginario y que se fundamentaba en asombrar. Efectos especiales y visuales se entendían como un todo de los cuales el artista se valía para construir su obra. Estos procesos se conformaban tanto con manipulaciones in-situ durante la producción, como en la de fase de postproducción distinguiéndose dos tipos de efectos. La aparición del ordenador disparará vertiginosamente las diferencias en rodaje y edición y por consiguiente de la creación de efectos visuales. 

La industria disponía desde hacía años de un engranaje por bloques especializados en cada una de las partes que componían una película,pero esta nueva forma de creación de efectos supuso la entrada de nuevas fórmulas. Uno de los principales cambios que progresivamente se produjeron, fue la separación entre efectos especiales y efectos visuales. El segundo, los efectos visuales ha absorbido los efectos ópticos originales adaptándolos a la postproducción digital de pc. El departamento de efectos visuales se ha diversificado y especializado, y se han designado diversas divisiones, unas encargadas de gestionar los puntos del rodaje para facilitar la labor posterior, y otra con un gran número de diseñadores encargados de las diferentes partes de la creación mediante ordenador. 


CINE Y ANIMACIÓN, CUNA DE LOS EFECTOS VISUALES

Tras la aparición del arte cinematográfico, la mayoría de los trucos y efectos especiales se formaron gracias a una coexistencia entre cine y animación. La aportación de la animación a los efectos visuales al principio de siglo es incuestionable, siendo la animación un arte anterior,del cual el cine podía beber. La creatividad de éstos, y su interés en la creación de mundos oníricos y fantásticos, les acercarán a la animación como herramienta creativa. El nexo de unión será la pixilación, técnica parecida al stop motion, que consiste en animar objetos o personas,frame a frame mediante el llamado paso de manivela, es decir, mover el objeto y captar la foto con la cámara, volverlo a mover, capturar el fotograma y así sucesivamente. 

En el año 1912, Ladislaw Starewitch creó una obra verdaderamente sorprendente llamada «Cameraman ́s revenge» considerada la primera pieza cinematográfica creada en stop motion. La principal diferencia respecto a la anterior pixilación, responde a que Starewitch trataba y manipulaba a sus personajes para poder ser animados posteriormente.La pieza refleja historias mediante insectos disecados que se mueven frame a frame. Años después, Willis O’Brien continuó el trabajo de sus predecesores, muy influido por Starewitch creando «Mundo perdido» una producción espectacular con una narrativa mucho más evolucionada y consciente del montaje. 




El cine tradicional se basa en la grabación de escenas sobre celuloide,con un funcionamiento similar al de una cámara de fotos. El obturador se abre, dejando pasar la luz sobre una película tratada con químicos y en ella, de forma invertida, queda plasmada la imagen. El elemento principal de almacenamiento será la cinta de 35mm como un intento por parte de la industria por convertirlo en estándar desde 1909. La relevancia de estos cambios de almacenamiento para la creación de efectos visuales se basa en que son diferentes los tratamientos posibles para una cinta de 35mm o cualquier formato digital de video. 

De esta forma la imagen oscurecía creando un fade out o se tornaba clara fade in. Su uso responde al inicio o final de una secuencia o de una película. Se creaba un fundido, oscureciendo la imagen, se rebobinaba la cinta hasta el fotograma de inicio, y se grababa un fundido aclarando la imagen sobre este. Ambas aparecían combinadas cuando se revelaba la cinta. 

El análisis de estos tres efectos visuales realizados de forma tradicional,nos conduce a pensar que la edición de éstos se llevaba a cabo durante el proceso de rodaje, puesto que no era posible tratar la película de celuloide de esta forma en la postproducción. Los efectos visuales requerían ingenio y cualquier error en la grabación de la cinta significaba rodarla de nuevo, por lo tanto era caro y laborioso. El siguiente paso fue la digitalización de la cinta de 35mm, de tal forma se hacía posible su tratamiento a través de un ordenador. Entonces, se traslada a la estaciones de trabajo donde se crean los efectos visuales y se edita por completo la película. 


El CCD, es un dispositivo de captadores fotosensibles, que cumplen la función de captación de imagen que antes poseía el film de película.Tras una primera aplicación en fotografía y posteriormente, en la década de los 90 su aplicación en televisión, el CCD se ha adaptado al cine configurándose casi como un estándar en las grandes producciones en los últimos años. Estos rodajes no requieren de cinta ni de posterior transformación, puesto que la información se almacena directamente en digital. Obviando el debate sobre la calidad de la imagen, queda claro que el tratamiento de los anteriores efectos ha cambiado. 

Fundidos y encadenados ya no se entienden como efectos visuales, ya que posteriormente a la fase «primitiva» del cine, estas herramientas sirvieron como mecanismo de creación de relato, por encima de la idea de «truco». De hecho, el montaje cinematográfico del cine clásico de Hollywood establecido como cine estándar en nuestros días, el modelo de representación institucional , se fundamenta en la idea principal de que estos enlaces no se perciban por el espectador. 


DEL MATTE PAINTING AL CHROMA KEY

Desde que alrededor del año 1400 Filippo Bruneleschi estudiara la perspectiva cónica y sentara sus bases, se han sucedido los autores pictóricos que utilizando la técnica del «trampantojo» han intentado que el ojo humano entienda como real sus pinturas. Una de sus grandes aportaciones fue el cuadro del Baptisterio de San Giovanni. Bruneleschi, para demostrar que su cuadro imitaba fielmente la perspectiva al ver el baptisterio desde la catedral, hizo un agujero a través del cual mirabas, situado en la puerta misma, y al poner un espejo para ver el dibujo encajaba visualmente a la perfección con la realidad.


Siglos más tarde, la fotografía se interesó por estas técnicas que pretendían engañar a la vista usando la perspectiva. Se jugaba a crear realidades a partir de dibujos, ocultando y combinando partes de la misma. Méliès, aplicó estas artes «The indian rubber head» o «Voyage a la luna» pero no fue hasta 1905 cuando esta técnica alcanzó mayores niveles de precisión gracias al considerado padre del matte painting Norman Dawn.
Nos vale como ejemplo la película «Willow» donde se recreó un mundo fantástico repleto de castillos que nada tenían que envidiar en términos de realismo a las producciones digitales actuales. Cris Evans, Michael Pangrazio y Caroleen Green, fueron grandes pintores de matte painting en esta fase donde comenzó el declive de esta técnica.


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La última escena rodada en matte painting tradicional en una gran producción, fue realizada por la compañía «Matte World Digital» para «Titanic» , en concreto el barco de rescate en las escenas finales de la película. Se combinó con el amanecer pintado digitalmente, la acción en directo del agua y elementos generados por ordenador.


Una técnica similar al matte painting es el proceso Schüfftan. Esta técnica debe su nombre a su creador Eugen Schüfftan, y su primera aplicación fue en «Metropolis» de Fritz Lang. El proceso Schüfftan consiste en colocar un espejo en 45% entre cámara y decorado . Esta ventaja de control de cámara, permitía repetir el recorrido de forma idéntica, controlando perspectiva y proyección geométrica. Así se adaptaba a cada momento de grabación la incrustación dibujada a este. Se usó en la escena inicial de «Starwars: Episodio V» . No obstante esta programación era muy dificultosa y caerá en desuso con la llegada inminente de la era digital.


Pese a que el término matte continúa haciendo referencia a los fondos en una toma de acción en vivo, creados para ser posteriormente sustituidos por otros, el matte painting ha evolucionado al chroma key.


Este es el antes y el después de los efectos especiales de grandes ...


La edición de efectos con croma, se compone de dos partes. La pantalla verde, y la creación digital que se implantara en el fondo.
El corte mate transparente que antiguamente se situaba delante de la cámara, se ha tornado en un pantalla verde de croma. Éste, se coloca a diferencia de las máscaras tradicionales, tras los elementos de la escena, y permite integrar las creaciones de ordenador u otras grabaciones paralelas en el cuadro. 


DEL ROTOSCOPIO AL MOTION CAPTURE

La idea fundamental en la que se basa tanto animación como la creación de efectos especiales es el realismo. El éxito del efecto reside en la imitación de la realidad de la forma más precisa. Uno de los parámetros clave para la creación de un personaje o elemento es el movimiento, éste ha de ser fluido, coherente y ser capaz dotar de una personalidad concreta. Los diseñadores por lo tanto han de valerse de técnicas que se acercan lo más posible a un movimiento real para sus creaciones. Bajo esta premisa, los hermanos Fleischer crearon en 1914 el primer invento capaz de copiar el movimiento con la intención de crear personajes.
Este fue el Rotoscópio, un artilugio que permitía dibujar sobre una proyección de los positivos de una película. Se colocaba un cristal sobre ella, y se dibujaba calcando en papel.


Rotoscopio - Wikipedia, la enciclopedia libre


Disney aplicó la rotoscopia a su largometraje de animación Blancanieves y los siete enanitos . El proyector con la escena filmada previamente, se enfoca hacia un cristal semitransparente, sirviendo la imagen como guía para el personaje animado.
A parte de para la creación de personajes con movimientos realistas existen otras aplicaciones del rotoscopio. Una de las más conocidas es el efecto brillo de color de los sables laser de las tres primeras películas de la saga de "Star Wars". Estaba tan conseguido que durante años la gente ha creído que era un efecto creado por ordenador, y no un trabajo de pintura frame a frame.


DEL STOP MOTION A LA CREACIÓN 3D

Determinados géneros cinematográficos como el cine de ciencia ficción, han necesitado de la utilización de efectos visuales para crear sus crear sus entornos y personajes imaginarios. Desde "Viaje a la luna" , "El doctor Mabuse" , "Metropolis" hasta "28 dias después" o "Avatar" , pasando por Star wars o Blade runner , se ha ido configurando un género que refleja los sueños de exploración del ser humano, así como utopías y distopías, que son cristalización y reflejo de los temores de su época. Éstos son solo algunos ejemplos de un género que parece casi infinito. Los límites de la ciencia ficción son inabarcables, y este terreno abre las puertas de la creación de efectos visuales de par en par.


Qué es el Stop Motion? - La pausa del render


Debido a esta amplitud, hay que acotar y centrar nuestro objeto de estudio en la creación de personajes y monstruos irreales, y como los cineastas han sabido integrarlos en este tipo de películas combinados con imagen real. Para ello, habrá que recurrir de nuevo a Willis O’Brien, maestro creador de escenarios y figuras, e instaurador de nuevas formas de trabajo en el arte de la animación y efectos. Su gran aportación rompedora, que cohesionó animación e imagen real con un evidente realismo para la época, fue la aplicación de la pantalla de transparencia. Gracias a ella, se unían monstruos animados con la técnica del stop motion a producciones con actores que podían interactuar con ellos. Existían dos tipos de aplicación con la pantalla de transparencia, la retroproyección o el tiempo real.
La retroproyección consistía en proyectar frame a frame la película sobre un cristal especial, mostrando en ella los movimientos de actores ya grabados. Esto permitía a los animadores mover el muñeco según convenía. Se grababa de nuevo la escena frame a frame, con el marco de la cámara ajustado a esta, y quedaba perfectamente integradas las dos partes.


Software de creación / 3D - Mudbox® - AUTODESK - Vídeos


El tiempo real, era el trabajo inverso, proyectar el personaje en stop motion y grabar al actor interactuando con él. Esta técnica era obviamente más costosa y menos efectiva, por lo que la retroproyección era la elección para la mayoría de escenas.